TOMORROWLAND - IL MONDO DI DOMANI: DOPO 'GRAVITY' DI ALFONSO CUARON, GEORGE CLOONEY FA IL BIS, ABBRACCIANDO ANCORA IL GENERE SCI-FI, QUESTA VOLTA GUIDATO DA BRAD BIRD ('RATATOUILLE', 'MISSION: IMPOSSIBLE - PROTOCOLLO FANTASMA')

LA CAPACITA' DI GUARDARE OLTRE... CON IL LUSSO DELL'OTTICA OTTIMISTA, A DISPETTO DI TUTTO. UN FANTASY O UN SOGNO POSSIBILE ANCORA OGGI? IL REGISTA BRAD BIRD E L'ATTORE GEORGE CLOONEY PALADINI DELLE NUOVE GENERAZIONI, I DESTINATARI DI QUESTO FAVOLISTCO 'LUNA PARK' E POTENZIALI 'ARCHITETTI' DI UN FUTURO MIGLIORE

"E' accesa? Ciao, io sono Frank. Come va?... Questa è una storia che parla del futuro e il futuro può spaventare... governi instabili, sovrappopolazione, disastri ambientali, carestie, catastrofi ...". E' proprio il Frank di George Clooney ad entrare in scena per primo e, sguardo dritto in macchina, a fare un discorso del genere appello - testimonianza. Ma viene continuamente interrotto da una giovane voce femminile di cui ci viene nascosta l'identità. Un gran bell'inizio incastonato in una struttura anulare che scopre le carte, si fa per dire, in un altrettanto gran bella conclusione, in cui i due protagonisti principali, dopo averne passate di

cotte e di crude, passano le consegne a nuovi 'reclutatori', con una precisa 'missione', indispensabile a salvare il futuro del mondo, vale a dire 'Il mondo di domani' del titolo italiano, la Tomorrowland del titolo inglese, quella abitata dai Plus Ultra (più oltre) e sognata da Walt Disney. E la vitale missione si traduce in "trovate coloro che non si arrendono. Sono loro il futuro".

Peccato che la spina dorsale che collega la testa ai piedi di questo rumoroso e caotico Tomorroland - Il mondo di domani diretto da Brad Bird (Il gigante di ferro, Gli Incredibili, Ratatouille, Mission: Impossible - Protocollo fantasma) soffra di tutte quelle lesioni e schiacciamenti vertebrali che negano il sostegno necessario ad una vera e propria stabilità. Tomorrowland si fregia di nobili intenzioni ma anche di tutti i limiti del racconto di formazione che una sceneggiatura fin troppo elementare e diluita (condivisa da Bird con

Damon Lindelof), finisce, sia pure involontariamente, per limitare la platea di destinatari all'infanzia e, comunque, non oltre l'adolescenza. Anche tuffandosi nella metafora, nella chiave di lettura allegorica che dall'aura favolistica impone di tirar fuori il reale messaggio con il relativo contenuto, traducibile al livello della sfera adulta - vedi gli emblematici 'prescelti' del finale - non rende immacolata una pellicola ad effetto - fin troppo! - che ci sommerge letteralmente di effetti, appunto, visivi e speciali, di 'trovate' varie, senza mai, o quasi mai, darci il tempo di 'gustare'. Con Tomorrowland si finisce solo per 'trangugiare' un vomito inarrestabile di scoppi, esplosioni, scarrozzamenti da una parte all'altra su mezzi di trasporto avveniristici e così via. Avvenirismo futuribile che caratterizza il volto della civiltà utopica e strabiliante di Tomorrowland - pane per i denti dello scenografo Scott Chambliss - dai tratti architettonici sinuosi ed avvolgenti simili a certa edilizia contemporanea londinese

o degli Emirati arabi, con un effetto panoramico cuneiforme che dà l'impressione di un omaggio allo stesso marchio Disney.

Così, dopo un iniziale flashback che ci porta indietro nel tempo fino al 1964, momento in cui, seguendo il racconto del protagonista, incontriamo il Frank/Clooney da piccolo (Thomas Robinson), alle prese con gli effetti collaterali delle sue prime invenzioni, tra cui un rudimentale jet pack presentato all'Expo mondiale dell'epoca, 'il mondo di domani' in 'Tomorrowland' si traduce ben presto in un gigantesco 'luna park' che mantiene il retrogusto di fondo patinato (persino il titolo originale del film, 1952, era retrò) di tutta la classicità d'avventura più o meno Sci-Fi possibile, annusata qua e là e qui variamente omaggiata. Annusata: un pò sulle spiagge spielberghiane di E. T. o delle Amazing Stories (lo stesso Bird è regista di una di queste 'storie incredibili'); un pò su quelle di Star Wars, cui si

ispira il contrasto di fondo tra avvenirismo tecnologico e primitivismo estetico, e a cui inneggia lo stesso merchandising del negozio cui fa visita la giovane eroina 'prescelta' Casey Newton (Britt Robertson); un pò su quelle scottiane dell'imprescindibile Blade Runner, cui ammicca più e più volte, lambendo alla lontana le coste dell'ancora spielberghiano A.I., il personaggio di Athena (Raffey Cassidy).

Il 'realismo magico' sembra tornato di moda. Magari lo si preferisce mixato, o per meglio dire, shakerato, ad altri sottogeneri. Ma se si vuole porgere omaggio a qualche cult sci-fi per darci un tono e non permettere ad alcuno di etichettarci superficialmente come fantasy, allora ci si ricorda pure di qualche sequenza memorabile. Ed ecco servita la citazione di spicco. In Tomorrowland non potrà sfuggirvi quella a Il pianeta proibito, appuntata sulla tempestiva chiusura di finestrature in rapida successione. Tomorrowland è del resto pieno zeppo di citazioni e omaggi di vario

tipo. Ma quando dici 'viaggi nel tempo', la mente corre inevitabilmente a quel memorabile Ritorno al futuro che Robert Zemeckis ha frazionato in trittico perfetto, dove ogni cosa è al suo posto e dove ci è consentito tutto il tempo necessario per gustare timori e meraviglie. Bird in Tomorrowland sembra averne omaggiato lo scheletro di base: non solo il Frank di Clooney, umoristico e spigoloso genio inventore, ora fallito e pessimisticamente disilluso, sembra la versione più seria ed accademica del Doc di Ritorno al Futuro, ma la stessa iconica coppia dell'adulto più o meno geniale, più o meno pazzoide, o quanto meno 'originale', al fianco di un ragazzino o, come in questo caso, ragazzina, ammicca all'illustre precedente. I tempi si evolvono, così l'avventura si colora di rosa e la Casey/Robertson di Tomorroland sembra peraltro anche meno sprovveduta e disincantata del Marty di Ritorno al futuro, quasi un segugio - irresistibile!

- dei guazzabugli inventivi di Doc. Entrambi però, Marty e Casey, ognuno a suo modo, si nutrono di analoghi timori e bevono lo stupore che gorgoglia dalla fonte della stessa meraviglia.

L'alito favolistico, con la sua morale, con il suo opportuno e centrale messaggio, si respira fin dalle prime battute di Tomorrowland, con quella sorta di parabola del lupo che Casey torna a rammentare al padre, ingegnere della Nasa licenziato per chiusura del programma spaziale: 'ci sono due lupi che si combattono, l'uno è buio e disperazione, l'altro è luce e speranza. Chi vince?' La risposta è piuttosto lapidaria ma eloquente: 'Quello che nutri'. Se nutri il lupo sbagliato... Quel che si dice, l'anima semplice ma luminosa, trasparente dal corpo obeso di Tomorrowland. E come in ogni favola che si rispetti non poteva mancare l'oggetto simbolo elettivo della catarsi dell'eroe o dell'eroina in campo: nel caso di Tomorrowland è una

spilla. Quella che Casey/Robertson si ritrova per caso tra gli effetti personali una volta uscita di prigione e che la porta negli anfratti più disparati di Tomorrowland. Ma è quella distesa di grano il suo primo approdo, la fonte primigenia del sostentamento dell'uomo sulla terra, simbolo elettivo da preservare onde evitare il rischio sopravvivenza. No, non siamo nei paraggi de I giorni del cielo di Terrence Malick, ma quei 'teletrasporti' via 'spilla' nel grano, hanno comunque quella vena di poetica spiritualità vagante, sia pure presto annientata da un dominante e schiacciante fragore. E c'è una ragione precisa per questo: ed è che 'la Tomorrowland del 1964, quella che Frank vede per la prima volta, e quella del 1984, che Casey vede in una visione provocata dalla sua spilla, avrebbero entrambe dovuto rappresentare 'una società molto equilibrata', da coltivare e mantenere come tale, secondo la visione per cui 'l’uomo era una

sorta di pastore del mondo, oltre che un pioniere'. Per questo 'la città si erge nel mezzo della natura, come se si sviluppasse a partire da essa. E man mano che ci si allontana dal centro di Tomorrowland, è come se la città tornasse a far parte della natura'.

Tre spazi temporali - il 1964, ossia l’anno in cui Frank vede la città per la prima volta; il 1984, dov’è ambientata la campagna pubblicitaria presente nella visione provocata dalla spilla di Casey; e il 2014, dove si svolge il resto della storia - sono occorsi a Brad Bird per tradurre in immagini un pensiero universalmente condivisibile e dichiarato a chiare lettere, che si nutre del timore che l'uomo non possa più essere in tempo per rimediare (visione nichilista rappresentata anche dal David Nix di Hugh Laurie, contraltare più negativo di Frank/Clooney): "Abbiamo perso qualcosa. Il pessimismo sembra l’unico modo accettabile

di guardare al futuro, e non sono d’accordo. La mia paura è che possa avverarsi. Se tutti si convincono che le cose non miglioreranno, allora state certi che non accadrà. È un punto di vista che genera passività: se le persone pensano che sia tutto inutile, non potranno mai creare un grande futuro. Quando ero bambino, nonostante succedessero tante cose brutte – che purtroppo sono sempre accadute e non smetteranno mai di accadere – era accettabile guardare al futuro con ottimismo: pensavamo che la qualità di vita sarebbe migliorata, che il razzismo sarebbe cessato, che l’ineguaglianza sociale avrebbe avuto fine, e tante altre cose. Oggi c’è una sorta d’indifferenza cosmica, che io detesto. Non è per questo motivo che ci troviamo su questo pianeta. Abbiamo il potere di essere responsabili e cambiare il corso del futuro". E' qui che la missione dei nuovi reclutatori - "trovate coloro che non si

arrendono. Sono loro il futuro" - da ideale prende anima e corpo in identità tanto simboliche quanto concrete e reali. Ed è qui che vediamo chi e come riesce ad evitarsi di nutrire il lupo sbagliato.

BRAD BIRD'S SCIENCE-FICTION ADVENTURE RUNS HEAVIER ON CANNED INSPIRATIONALISM THAN ON ACTUAL INSPIRATION.

In his Pixar triumphs “The Incredibles” and “Ratatouille,” writer-director Brad Bird proved himself not just a wizardly storyteller but also an ardent champion of excellence — of intelligence, creativity and nonconformity — in every arena of human (and rodent) accomplishment. All the more disappointing, then, that the forces of mediocrity have largely prevailed over “Tomorrowland,” a kid-skewing adventure saga that, for all its initial narrative intrigue and visual splendor, winds up feeling like a hollow, hucksterish Trojan horse of a movie — the shiny product of some smiling yet sinister dimension where save-the-world impulses and Disney mass-branding strategies collide. A sort of “Interstellar Jr.” in which the fate of humanity hinges on our ability to nurture young hearts and minds, the picture runs heavier on canned inspirationalism than on actual inspiration, which won’t necessarily keep it from

drawing a hefty summer audience with its family-friendly elements, topnotch production values, Imax rollout, endless tie-in potential and a top-billed George Clooney.

There’s something to be said, of course, for a big-budget studio entertainment sly enough to retain a proper sense of mystery over its story and concept; much of the early buzz around “Tomorrowland” has swirled around the question of what it’s about — and exactly how much it has to do with its namesake neighborhood at Disneyland. With one mercifully brief, tongue-in-cheek exception, scribes Bird and Damon Lindelof (who together conceived the story with Jeff Jensen) avoid exploiting such theme-park attractions as Space Mountain, Star Tours and the dearly departed PeopleMover; if anything, their vision of Tomorrowland draws more heavily on Epcot Center, the ultimate representation of Walt Disney’s guiding belief in science and technology as a force for good in the world.

Few filmmakers would seem as ideally suited

to honor that utopian ideal as Bird, who previously tapped into the enterprising, anything-is-possible ethos of 1950s-’60s America in movies like “The Incredibles,” with its snazzy, retro-futuristic aesthetics, and “The Iron Giant,” with its sweet, resonant treatment of Cold War anxieties. And there are setpieces in “Tomorrowland” — a famous international landmark that suddenly bursts open like a Faberge egg, or an ordinary-looking house that turns out to have so many gizmos, pulleys, booby traps and escape pods it might have been designed by Wallace and Gromit — which duly explode with a welcome sense of invention and limitless possibility (most of it springing from Scott Chambliss’ wondrous production design). But these moments are relatively few and far between — separated across long stretches of clunky storytelling, overbearing action and tiresome character interplay, and undermined by a narrative that never delivers the surge of escapist excitement seemingly promised at the

outset.

Striking a worrisome note early on is an overly cutesy framing device that introduces two narrators who can’t stop arguing over how to tell their respective stories. The first of these is Frank Walker (Clooney), a curmudgeonly scientist who recounts how, as a young boy (played by Thomas Robinson), he attended the 1964 New York World’s Fair with his first big invention, a jet pack that (sort of) gives its wearer the power of flight. Dismissed by a supercilious judge (Hugh Laurie), Frank manages to attract the interest of a sly, watchful young girl named Athena (Raffey Cassidy), who hands him a small lapel pin marked with the letter “T.” One bumpy elevator ride later, Frank finds himself deposited in Tomorrowland, a city of towering robots and sleek, ivory-toned buildings, where one’s imagination can presumably run wild.

But before we can learn why Frank was brought to Tomorrowland and what he

accomplished there, the film abruptly shifts to the present day. Our second narrator, Casey Newton (Britt Robertson), is an extremely bright young woman in her 20s who lives with her father (Tim McGraw) and her little brother (Pierce Gagnon) in the shadow of the NASA station in Cape Canaveral, Fla. Like Frank before her, Casey boasts such keen intelligence and scientific acumen that she, too, receives a mysterious “T” pin; whenever (and only whenever) she touches it, she’s suddenly whisked off to Tomorrowland, necessitating several seamless, rapid-fire shifts in scenery. It’s the film’s niftiest visual trick, as well as a prelude to the one setpiece here that feels honestly transporting: an extended tracking shot in which we follow Casey on a monorail ride through the city, reveling in every otherworldly detail. (The context-free synchronized diving routine is a particular treat.)

But Casey’s trip is short-lived. After about two minutes of enraptured

sight-seeing, she’s unceremoniously returned home, leaving her desperate to find her way back. By this point the viewer is likely to understand all too well how she feels, as “Tomorrowland” increasingly suggests a version of “The Wizard of Oz” that, despite numerous attempts at liftoff, never quite manages makes it over the rainbow. Indeed, Casey herself comes to resemble a sort of reverse Dorothy Gale figure — one eager to leave her humdrum existence, not return to it — as she hits the road and tries to find out who gave her the now-defunct pin. It’s not long before she finds her answer in the form of the mysteriously ageless Athena, who, with typically well-meaning vagueness, warns our heroine that she is in grave danger.

What little sense of wonder remains at this point is decisively zapped away when “Tomorrowland” suddenly morphs into a paranoid thriller/road movie, where danger lurks noisily

behind every bend, as signaled by the busy workings of Michael Giacchino’s score. Athena persuades Casey to pay a visit to the cranky, hermitlike Frank, whom the android leaders of Tomorrowland banished years ago for making a startling discovery about the world’s impending doom. It’s here that the “Interstellar” connection kicks in, complete with (surrogate) father-daughter bond, as Casey’s inherent optimism becomes the necessary counterweight to Frank’s pessimism in the battle to save mankind. It’s here, too, that the film reveals its intent as a humanitarian/ecological call to arms, delivering an attack on widespread cynicism and apathy.

These are weighty, provocative, worthwhile themes to implant in a PG-rated family film, but the glaring failure of “Tomorrowland” is that its central premise — children are the future — is almost completely negated by the preachiness of the execution and the clumsiness of the storytelling. This is not, frankly, a movie that evinces

much faith in the cognitive and imaginative powers of young people. Its attitude toward the tykes in the audience can be more or less summed up by the aggressively cheeky interplay between Clooney and Robertson, and by the blunt, often poorly motivated chase/action sequences (none of which rise to the level of Bird’s previous live-action feature, “Mission: Impossible — Ghost Protocol”).

There is, perhaps, something almost perversely admirable about a movie called “Tomorrowland” that spends so little time in Tomorrowland, effectively treating that storied kingdom less as an actual place than as a state of mind. Still, it’s hard not not to feel cheated, or to wonder if it was Lindelof, still best known for his work as a showrunner on “Lost,” who effectively turned this movie into such an evasive and unsatisfying game of narrative keepaway — one whose final revelations are dispensed in haste, and with a frustrating lack

of rigor.

Indeed, for all its insistence on the rational, the picture at times gives off a bizarre, faux-spiritual vibe — not least in the recurring shots of the golden wheat fields outside Tomorrowland, which look so vast and ripe, they might have been filmed by Terrence Malick. (Claudio Miranda is credited with the cinematography, which looks particularly lustrous in Imax projection.) These images figure prominently in the film’s jaw-droppingly misguided final scene, a calculated bid for we-are-the-world sentimentality that plays out with the mildly unsettling overtones and forced multiculturalism of a cult recruitment video. Is this Tomorrowland or Heaven’s Gate?

Robertson, who bears an apt resemblance to Brit Marling, is thoroughly winning in her first major starring role, even if we must take Casey’s much-vaunted brainpower on confidence (a montage of her raising her hand repeatedly in class is the script’s convenient way of signaling “She’s smart!” without actually giving her

anything smart to do or say). And the surprise of the picture may well be the young English actress Cassidy, giving a small wonder of a performance that balances humor and poignancy in a deliberately narrow range. Comedy fans will smile — briefly, anyway — at the sight of Keegan-Michael Key and Kathryn Hahn as a pair of geek enthusiasts who run a Houston shop crammed with classic sci-fi movie memorabilia (cue obligatory nod to the recently Disney-acquired “Star Wars” franchise).

Clooney seems to have been cast as much for his liberal credentials as for his star power, and it’s a choice that can’t help but leave a somewhat smug aftertaste; he’s almost too fitting a spokesman for a movie that urges humanity to end all wars, take responsibility for the environment, and foster a greater, more alert engagement with the world around us. All worthy and admirable objectives, to be

sure, but they can’t help but feel like platitudes in the absence of an adventure that compels and sustains dramatic interest on its own terms. Even when delivered with the best intentions, a lecture is a wretched substitute for wonder.