MODI - TRE GIORNI SULLE ALI DELLA FOLLIA

E alla fine arriva lui. Dopo una lunga genesi e diversi passaggi di mano, l’idea iniziale di Al Pacino di realizzare un biopic su Amedeo Modigliani ha preso corpo e anima. Partendo dall’opera teatrale di Dennis McIntyre, ambientata durante il soggiorno parigino dell'artista nel 1916, l’idea ha preso corpo e anima con la regia di Jonnhy Depp. Ed è valsa l’attesa, perché dalle mani di Johnny Depp - che si pone dietro la macchina da presa a distanza di venticinque anni dopo The Brave (1997) - non poteva nascere un biopic standardizzato. Difatti il suo tocco sembra essersi letteralmente calato nel pennello e nello scalpello dello stesso artista Modigliani, un bohémien a tutti gli effetti, in cui Depp deve aver riscontrato certi lati del suo stesso carattere. Modì-Tre giorni sulle ali della follia - titolo peraltro ispirato da un verso di Baudelaire spesso richiamato nel corso di questa storia insieme

a Dante Aligheri - si direbbe dunque piuttosto una ‘trasfigurazione’, o, per meglio dire, una ‘traslitterazione’ dei fatti, d’altra parte qui più ancorati alla proiezione di una sofferenza interiore che al rigore filologico.

Così Amedeo Modigliani - un Riccardo Scamarcio assolutamente in parte, forse nel suo ruolo più convinto, con un precedente nei panni di Caravaggio per Michele Placido - lo incontriamo in un locale alla page di Parigi, il Caffè Le Dome, mentre disegna il profilo di una signora al suo stesso tavolo con il marito. E’ evidente fin da subito che la sua arte non è compresa, e più tardi gli sarà detto apertamente a più riprese, sentendosi classificato come artista deprimente, o con il talento equiparato ad un bambino di 4 anni. Un po' troppo per chiunque da sopportare! Ma Modi/Scamarcio non solo non si abbatte, ma reagisce, piuttosto male e in maniera aggressiva, sfociando facilmente nella rissa.

E’ per l’appunto il caso di quando, nell’intento di riscattarsi, si avvicina ad un altro tavolo dove siede un’altra coppia, azzardando complimenti a lei tanto quanto esplicite offese a lui. La rissa scatta come da programma con l’insolita risoluzione di una fuga rovinosa attraverso una splendida vetrata colorata: il fermo immagine sul lancio di Modi/Scamarcio in fuga dagli inseguitori per offrire al pubblico il titolo del film, è un raffinato tocco da maestro che fa molto cineasta glamour.

Ecco i toni del film di questo Modì, ma siamo appena agli inizi, e non abbiamo ancora visto sfoderare il resto degli assi nella manica di Johnny Depp regista. Il suo è uno sguardo conciso in appena settantadue ore, quando con velata malinconia l’artista va pensando di tornare alla sua città natale, Livorno. In un biopic classico rigor di cronaca avrebbe preteso un’aderenza linguistica in punta di dialetto toscano livornese, ma Depp

non si preoccupa tanto di questo perché il suo è lo sguardo trasognato speculare a quello dell’artista in campo: un artista tipo che deve vedersela con la sprezzante e supponente critica, e dunque dipendente, volente o nolente, dal giudizio altrui, decisamente poco incline agli apprezzamenti. Ed è forse proprio da questa incomprensione che scaturisce, in punta di metafora, l’esigenza di inserire qua e là il bianco e nero tipico del cinema muto, ricorrendo persino ai sottotitoli, e non solo per i flashback dell’infanzia. Un mondo di ricordi del passato ma anche di scorci del presente, incompresi, e dunque ricacciati in un mondo altro, in bianco e nero, senza parole, quando tutto è a colori e pure vestito a festa.

Modì, d’altra parte, non è veramente solo, ma è come se lo fosse: la critica d’arte Beatrice Hastings di Antonia Desplat è anche il suo primario affetto passionale. Affetto che d’altra

parte manca di soccorrerlo o di dedicargli del tempo perché deve scrivere un articolo per il mattino successivo: e questo perché Beatrice/Desplat è letteralmente ossessionata dal riconoscimento pubblico e dalla fama, cui non manca una certa lungimiranza quando mette in guardia l’ingenuo Modì dal vacuo e bugiardo mercante d’arte Léopold Zborowsk (Stephen Graham), detto ‘Zipo’. Zipo/Graham non venderà mai, al di là dei falsi proclami alcuna opera di Modì/Scarmarcio, desideroso solo di un riscontro da parte della gente, di una comprensione di quegli occhi vuoti, spenti, tanto da regalare un dipinto ad un ragazzino, solo perché incantato su un suo paesaggio, così come di negare la vendita di una sua scultura perché ritratto speciale del suo amore Beatrice/Desplat. Due amanti e confidenti tanto assidui quanto con visioni spesso contrastanti che portano al litigio: sulla battuta di Modì/Scamarcio “Io faccio arte tu ne scrivi solo”, per quanto rivendicata come scherzo, sortisce

l’effetto desiderato della sfuriata da parte di lei.

Ma ci sono poi altri affetti fondamentali nella vita di Modì su cui il film di Depp si sofferma moltissimo entrando nelle pieghe della loro stessa follia: gli amici di bevute e colleghi artisti squattrinati, come Maurice Utrillo (Bruno Gouery) e Chaïm Soutine (Ryan McParland), ognuno con le sue ossessioni misurate sul fondo di ogni bottiglia mandata in fumo, con la solidarietà di una comassionevole e generosa locandiera e amica (la Rosalie di Luisa Ranieri). Utrillo/Gouery, convinto di dover andare in guerra per salvare la sua Parigi (nel timore che il Louvre, ma non solo, possa essere violato), mentre il climax della follia per Soutine/McParland è quando si prende la carcassa di una mucca, cui dà persino il nome di Rembrandt, e se la porta in stanza per dipingerla - riportandola in vita - incurante delle mosche e del tanfo che emana

il suo reperto-modello. Peccato che la stanza sia ubicata in un condominio e che questa follia abbia delle conseguenze poco accomodanti da parte della proprietaria. Una follia tanto condivisa quanto espressa in dimensioni diverse e personali. La follia dell’artista e dell’uomo Modì/Scamarcio, già malato di tubercolosi al punto da essere devastato da attacchi di tosse che spesso spurgano sangue, si misura difatti su certe sinistre allucinazioni: ombre sature di morte, fantasmi di soldati mutilati della Grande Guerra - è il 1916 e il conflitto è per l’appunto in corso - ma soprattutto ‘metalliche’ figure, dotate di maschere a forma di becco, in esplicito richiamo ai medici della peste. Visioni alternate al bambino che è stato, e che in certe sequenze mostra uno sguardo congiunto a quello dell’adulto, magari mirando dritto alla macchina da presa, per un suggestivo scorcio, per quanto non inedito al cinema, di reciproca introspezione: nel segno del

guardarsi dentro e del richiamo-avvertimento da parte del candore infantile a porre un argine al naufragio in corso nell’età adulta. Lo stimolo ad arrestare questo viaggio verso l’autodistruzione che, d’altra parte, sembra solo rallentare la sua corsa, prima di affermarsi con tutti gli onori, mentre Modì tocca il fondo.

Quando Modì tocca il fondo, l’autodistruzione può finalmente compiersi, inesorabile e clamorosa. E questo succede quando, intuito il gioco sporco del mercante d’arte che aveva fatto procrastinare la sua partenza per Livorno per un incontro importante con il grande collezionista e critico d’arte Maurice Gangnat, egregiamente incarnato da Al Pacino sempre molto illuminato quando si tratta di mettere in scena sequenze di matrice spiccatamente teatrale. L’incontro, disperatamente voluto da Modì/Scamarcio da solo con Gangnat/Pacino, tocca l’apice di un riscontro lapidario e disfattista, con tutto il pregio di una sceneggiatura che penetra a fondo ogni piega dell’amaro rifiuto, arrivando al cuore dell’inevitabile

autodistruzione che porterà l’artista a gettare dalla finestra ogni sua opera. Persino Beatrice/Desplat non accetta la scultura a lei dedicata che Modì/Scamarcio si era rifiutato di vendere, alzando la testa dell’orgoglio ferito di fronte all’impietoso mercato d’arte, decidendo poi di gettarla nella Senna. Commovente momento, grondante del climax di tutto il suo dolore - solennemente celebrato anche musicalmente - prima che di lì a poco, di fronte ad un blocco di pietra ancora intonso, riaffermi il suo destino in e per l’arte, brandendo quel colpo di scalpello che sentenzia l’inevitabile nuovo inizio. Un bel finale che basta a sé stesso.

E dunque: perché raccontare in modo realistico e classico, quando lo stesso Amedeo Modigliani, l’essenza della sua arte, andava in tutt’altra direzione? Ecco la chiave di lettura per le eccentriche, ma non certo scollegate, scelte formali di Johnny Depp per il suo Modì. Un Modì intristito, eppur sempre orgoglioso della sua

irrinunciabile identità, declamata a chiunque - la maggior parte a Parigi - ancora non sapeva proprio chi fosse: “Amedeo Modigliani, artista italiano, ebreo”.

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