STANLIO E OLLIO

Stanlio e Ollio oggi? Un fenomeno di comicità d’altri tempi? Memorie troppo lontane? Perché riparlarne? Sarebbe stata una sciocchezza riportarli sulla ribalta con la pretesa di emulare un ricordo, di riproporre le gag più famose, icone di punta di una comicità tanto elementare quanto profondamente umana. Umana nel senso più nobile del termine. Ed è proprio su questa umanità, vissuta quasi all’unisono tra palcoscenico e vita reale tra i due celebri performer, che il film odierno del regista scozzese Jon S. Baird riesuma il duetto più famoso e più dimenticato di tutti i tempi. Un dittico umano ed artistico che ha molto più di quello che si possa immaginare in comune con la nostra contemporaneità. Stanlio ed Ollio attraversano l’epoca in cui dal muto si approda al sonoro nel cinema e proprio quando il teatro era la spina dorsale dello spettacolo per eccellenza. Quel che non sapevamo è che pure

la pubblicità era fin da allora la chiave di svolta per richiamare l’attenzione del pubblico, quando le nuove generazioni stavano per inghiottirsi le vecchie glorie. Ed è questo forse l’aspetto più triste, il boccone amaro del gratuito, del non pagato, per salvare il futuro artistico in declino dei due. Stanlio e Ollio di Jon S. Baird, ha un po’ usato analoghi ferri del mestiere e simili unità di misura - sia pure su scala minore - di quel che si è fatto per Freddie Mercury e i Queen in Bohemian Rhapsody: scavare a fondo nei solchi di un’umanità non esibita come l’arte, ondivagando per le retrovie del privato e nei dietro le quinte, in preparazione dello spettacolo in sé, per riscoprire l’artista in una maniera più piena, di cui acquisire nuova conoscenza e nuovo rispetto, non solo memoria in punta di revival. In Stanlio e Ollio si può dire che

abbiano tenuto fede al meglio a questa cifra stilistica, cui la sceneggiatura discreta e profonda di Jeff Pope ha dato corpo e anima prima che voce, due mattatori dell'interpretazione. Mattatori che hanno raccolto la sfida di riportare sul grande schermo il corpulento Oliver Hardy-Ollio (l’uomo d’azione) e il longilineo Stan Laurel-Stanlio (la mente, colui che scriveva gag prendendo ispirazione da episodi della loro quotidianità, non priva delle sue spine). Si sono spesi ben bene in tal senso John C. Reilly (contemporaneamente al cinema anche con I fratelli Sisters di Jacques Audiard, in coppia con Joaquin Phoenix) e Steve Coogan (Philomena). Reilly/Ollio e Coogan/Stanlio hanno fatto proprio quel respiro e sono riusciti a farlo planare magicamente all’unisono. Il respiro che ha reso possibile un simile sodalizio, umano e artistico, indissolubile perché assolutamente improponibile in compagnia di partner diversi. Per questo non sono pochi i momenti in cui il sorriso cede il

passo alla commozione e alla malinconia, stimolando l'idea di un abbraccio ideale postumo, fatto di grande affetto, comprensione e gratitudine, per non aver rinnegato l’impegno di pagare il prezzo necessario per andare avanti e rendere così possibile l’apertura di quel varco che, inevitabilmente, ha fatto da apripista verso ogni altro sviluppo e/o diversa declinazione di comicità futura.

Le cortine rosse che aprono e chiudono il sipario come sfondo ai titoli di testa sono già l’emblema di dove nasce la risata, lo spettacolo, mentre di lì a poco una didascalia informativa parla della lontana estate del 1937, epoca in cui Stanlio e Ollio erano all’apice del successo. I due cappelli appesi all’attaccapanni si fanno simbolo primario tra i vari che veicoleranno la nostra memoria riportandoci indietro di svariati decenni, per quasi un secolo fa ormai. Ollio/Reilly e Stanlio/Coogan, sono ripresi da tergo e parlano di contratti di lavoro e dei diritti

dei loro film. E già il dado è tratto. Il respiro della loro storia prende forza nelle retrovie dell’avanspettacolo, mentre si pescano qua e là manciate di ‘dietrologie’ fatte di litigate, di minacce, esternate nella sequenza della coppia al confronto con il produttore manager Hal Roach di Danny Huston. La magia del montaggio sfuma tra i retroscena e lo spettacolo come una danza riparatrice perché, oggi come allora, ‘lo spettacolo deve continuare’. E perché oggi come allora, dietro uno spettacolo ci stanno, goccia più, goccia meno, sudore e sacrificio umani. E il compromesso è sempre acquattato dietro l’angolo. La parentesi artistica in cui Ollio si esibisce da solo senza Stan peserà sull’indiscussa amicizia e sul sodalizio artistico tra i due comici come una spina nel fianco o, se preferite, come una lisca di pesce tra i denti. Così come le sporadiche e circoscritte occasioni in cui Stan si vedrà

costretto a proseguire da solo. Momenti della riprova che solo loro due potevano duettare come Stanlio e Ollio, perché diversamente, non avrebbe funzionato. Il film punta sugli anni della loro decadenza artistica, misurabili sui poster dei film di nuova generazione in programmazione all’epoca e sulle loro esibizioni in piccoli teatri semivuoti. Ed ecco che, il compromesso, appunto, seppure mal digerito, anche allora si rendeva necessario: la proposta di cortometraggi pubblicitari a titolo gratuito mortifica entrambi ma il miraggio di trovare i soldi per la produzione di un nuovo film - che ahimé non si farà mai! – li porta avanti, di palcoscenico in palcoscenico, fino a riappropriarsi della ribalta dei teatri più grandi, e con la soddisfazione di rivederli gremiti di spettatori divertiti, festanti ed appagati.

Al loro fianco le rispettive, antitetiche, consorti, che si ritroveranno più solidali di quanto non avrebbero mai potuto immaginare: la Lucille Hardy di Shirley

Henderson e la Ida Kitaeva Laurel di Nina Arianda regalano, dal loro secondo piano, apprezzabili perle cangianti nel ‘dramedy’. La parabola delle varie tournee li prepara ad una nuova debacle, quella definitiva: Ollio malato con la lapidaria prescrizione medica di star lontano dal palcoscenico e Stanlio che tenta di lavorare con altri partner di ripiego senza successo. Il montaggio vola leggero su una battuta in seno alla famosa scena in ospedale, e si capisce subito che è una lingua ben diversa da quella di Ollio. Monta la commozione finché le lacrime non si fanno largo e prendono il sopravvento sulle ultime propaggini di questa bella e struggente storia di un’amicizia incomparabile e di un'arte condivisa tutta una vita fin oltre la morte. La didascalia finale ne rende testimonianza e i siparietti originali alternati alle foto d’epoca - tutto rigorosamente in bianco e nero ovviamente - sui titoli di coda, e

sulla scia del celebre ‘balletto’, restituiscono respiro vitale ad una memoria struggente senza tempo, in cui vita ed arte erano semplicemente la stessa cosa, l’unica vera identità in cui potersi riconoscere. In assenza del palcoscenico, magari di fronte ad uno specchio, dove, in silenzio, i pensieri decollano come avessero le ali.

trailer ufficiale:



clip 'Affluenza':



clip 'Hotel':



clip 'Il ballo':



featurette 'Trucco' (sub ITA):