CESARE DEVE MORIRE: ISPIRATA AL GIULIO CESARE SHAKESPEARIANO LA DOCU-FICTION DEI FRATELLI TAVIANI

I fratelli Taviani tornano a farsi sentire-vedere attraverso un film sempre in bilico tra finzione e realtà, che riesce a far emergere in maniera inedita e dirompente la verità di una situazione e di uno stile di vita a noi quasi completamente sconosciuti. Come sia possibile che questo avvenga per mano di due giovani ottantenni è facilmente spiegabile: l’arte non ha né età né luogo e può essere incontrata ed applicata da tutti, basta coglierne l’essenza. Questo ci dimostrano i carcerati che interpretano abilmente Shakespeare fra le strette sbarre della loro cella, riassaporando un briciolo di libertà ad ogni battuta pronunciata e questo è quello che vogliono farci capire i numerosi registi (non bisogna infatti dimenticare l’importante ruolo del regista teatrale Fabio Cavalli) di quest’opera.

Il passaggio dal colore vivo della prima scena, in cui i detenuti esplodono in un gioioso urlo liberatorio al termine dello spettacolo, al bianco e nero

contrastato del resto del film segna l’entrata nel mondo alienante e alienato dei protagonisti. La loro presentazione avviene attraverso i provini per l’assegnazione delle parti nella tragedia, in quel momento i loro caratteri iniziano a delinearsi insieme alle condanne che devono scontare nell’area di massima sicurezza del carcere di Rebibbia.

Man mano che si procede con la messa in scena di Giulio Cesare però, il loro stato di reclusi viene lentamente dimenticato e la rappresentazione assume una connotazione preponderante, al punto tale da venire infastiditi quando, con un suggerimento del regista o un’interruzione degli attori, siamo costretti a ricordarci che stiamo assistendo solo alla registrazione delle prove di una compagnia teatrale. Più si va avanti e più il penitenziario e i loro occupanti si trasformano in uno scenario perfetto per la storia e si integrano nella narrazione. Le uniche parti del film che stonano sono infatti quelle in cui i

detenuti esternano meccanicamente le loro sensazioni ed esperienze passate. Il doverle far emergere esplicitamente in un momento predefinito li mette in difficoltà e fa perdere loro l’incredibile capacità di comunicarle attraverso gli sguardi e i gesti che compiono durante l’interpretazione. I personaggi dell’opera di Shakespeare non sono altro che “uomini d’onore”, come loro, e sono spinti dalle stesse forti pulsioni che hanno spinto loro a compiere gli atti che li hanno portati a vivere fra quelle mura. Tutto ciò emerge in modo naturale e fisiologico, per questo risulta superfluo esprimerlo a parole. L’utilizzo del dialetto d’origine da parte degli attori poi conferisce un grado di veridicità alla messa in scena difficile da eguagliare.

I registi non rinunciano ad incorniciare tutto ciò all’interno di un quadro profondamente cinematografico. Il passaggio tra una scena e l’altra è spesso segnato da una dissolvenza, i primi piani si alternano fluentemente con i campi medi e

la musica sempre in armonia con lo svolgersi dell’azione enfatizza i momenti più pregnanti dello spettacolo.

L’orso d’oro a Berlino permetterà a questo film di godere di una visibilità e un successo meritati che altrimenti non sarebbero stati possibili. Il circuito di opere di questo genere infatti, solitamente è talmente ridotto da raggiungere esclusivamente un pubblico di nicchia. Speriamo quindi che il raggiungimento delle grandi masse possa stimolare i produttori e soprattutto i finanziatori statali ad investire in un genere di cinema che sia capace di stimolare gli occhi, la mente e il cuore in egual misura.

Venerable helmers Paolo and Vittorio Taviani have taken the well-worn idea of prison theatricals and fashioned it into an attractive yet only superficially thought-provoking semi-docu with "Caesar Must Die." "Semi" because every line appears carefully rehearsed, including personal asides, though the prisoners and their incarceration are very real. Staging Shakespeare's "Julius Caesar" with criminals adds a significant amount of extra-textual food for thought, but it's uncertain whether the Taviani brothers are clear on what it all should mean. Result is an intriguing, at times impressive, curiosity that could be sprung from fest lock-up for short-term parole on limited arthouse screens.

The high-security section of Rome's Rebibbia prison -- temporary (or not) home to Mafia figures, murderers, drug traffickers, etc. -- has been staging plays in its own theater for years. The Tavianis collaborate with Fabio Cavalli, the director in charge of these perfs, to produce "Julius Caesar" within the prison walls

while incorporating some of the convicts' thoughts, trimming the play and expounding on concepts while inviting the men to adapt the Italian translation into their own dialects.

Opening and closing, in color, show snippets of the actual stage production with the audience, while the bulk of the pic, shot in striking black-and-white, moves throughout the jail and includes scenes, rehearsals and the prisoners' reactions. Though the Tavianis want to emphasize the pathos of incarceration, their decision to use various prison locales lessens the sense of a restrictive space; in a final scene with Brutus (Salvatore Striano) and Cassius (Cosimo Rega), the thesps are shot against a white sky accompanied by sounds of nature. A subsequent shot of the men returning to their cells is meant to bring auds back to reality, yet the earlier image of them surrounded by a limitless firmament turns the cells into a theatrical construct.

So

does the knowledge that Striano was released in 2006, returning to Rebibbia for this production (he made his acting debut in 2008's "Gomorrah"). Though he's a powerful actor, his insertion among the convicts serving their sentences shakes up the helmers' presumed objective, to force auds to contemplate questions of inner and outer freedom, and the ineluctable humanity that remains whether restrained by real or metaphorical walls.

In this the pic is only partially successful. Notwithstanding the sobering contemplation of imprisoned lives, viewers can't ignore the fact that these guys aren't exactly Jean Valjeans, and they're in high security for a reason. It's a salutary notion that prison theatricals offer a safe haven for the soul even in stir, and its role in rehabilitation feels very real. But what is the viewer meant to take away after watching convicted criminals staging a play about a traitorous murder? Given the popularization of

the Mafia stereotype, there's an odd sensation springing from lines in the play dealing with "honor," generating unintended reactions leaning more toward comedy than drama.

There are moments, when the men react to concepts in the play or their lives, that feel far too scripted; the guys probably said the lines at one time, but their repetition for the camera is jarring in its lack of spontaneity. Unquestionably the film works best when sticking to the play. For the most part, the changes made to the Shakespeare (via Italian translation) maintain the Bard's conception of character, though the use of dialects can be startling for sharp-eared auds. When Decius (Juan Dario Bonetti) says, "Fresh, fresh, this morning" he sounds more like an itinerant egg seller than a Roman general. Some speeches appear to have gone through distracting post-production dubbing.

While practically all the men do justice to their roles, the

real standout is Giovanni Arcuri's Caesar. His powerful physique, expressive demeanor, palpable presence and ease with his lines should have helmers calculating how much time he's got left inside before they can cast him in future roles.

Lensing by Simone Zampagni, the Tavianis' assistant cameraman on their recent pics, showcases starkly handsome black-and-white, straightforward and memorable, although some may find the visuals wear their "arty" credentials a bit too self-consciously. While music is generally kept to a minimum, there's an unfortunate repetition of a mournful alto-sax theme, and having tunes well up for the line "Rome, city without shame" unnecessarily pushes a point.